LOS HIJOS SE HAN DORMIDO

En las Naves del Español en el Matadero se puede admirar esta versión libre, muy libre, de La Gaviota, de Chejov: Los hijos se han dormido.

Esta adaptación lleva el sello del gran director y autor argentino Daniel Veronese. El escenario único donde se desarrolla toda la obra es una pequeña habitación humilde en la que los 10 personajes deambulan, se escupen sus odios y sacan a relucir sus tormentos. En lo único que se parece a la original es en los nombres de los personajes y en su esqueleto, ya que en esta versión faltan personajes, hay saltos temporales, hacen referencias a Madrid cuando su acción transcurre en Moscú, el vestuario es contemporáneo,... entre otros muchos aspectos que difieren de la original.
Con el público enfrente del escenario y a los dos costados de él, en el pequeño escenario, como es habitual en los montajes de Veronese, fluye la violencia en el ambiente, hay escenas desgarradoras y algún que otro grito, lo cual hace que personas no acostumbradas a ese tipo de teatro estén a disgusto y les parezca un horror lo que están viendo, lo cierto es que se trata de un texto muy sólido, fuerte y genial como todos los que escribió Chejov, al que considero una parte fundamental de la esencia del teatro. De hecho, en algunos países se representa constantemente La Gaviota como obra maestra del teatro europeo.
Las discrepancias artísticas, las rencillas familiares y el amor a la persona equivocada son el eje central de esta obra y también de esta versión magníficamente interpretada por su televisivo elenco.

Miguel Angel Rellán, Diego Martín, Aníbal Soto, Ginés García Millán, Pablo Rivero, Alfonso Lara, Susi Sánchez, Marina Salas, Malena Alterio y Malena Gutiérrez ponen en pie este clásico revisitado, modernizado y aplaudido, ya que hasta cuatro veces tuvieron que salir a saludar los actores.

 

 

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LA VERDAD

Triunfando en el teatro Cofidis Alcázar se encuentra esta obra original de Florian Zeller, La Verdad.

Sorprende a ver a Josep María Flotats en un registro totalmente opuesto al que nos tiene acostumbrados. Porque La Verdad, se podría decir que es una comedia si nos basamos en la extraordinaria comicidad del libreto, pero en realidad se dicen cosas muy serias aunque al respetable le saque más de una carcajada. Esta ácida comedia se ríe de la cobardía de los demás, no de la propia. Habla de la mentira y de la verdad, ¿se debe mentir para no herir a los demás o para salvar nuestro culo? Trata las ventajas e inconvenientes de mentir en las relaciones amorosas personificadas en un triángulo amoroso que después será un cuarteto. El personaje de Flotats es un mentiroso compulsivo que se cree más listo que nadie porque piensa que está engañando a los demás, para luego darse la vuelta la tortilla y convertirse en el engañador engañado.
Reflexiones sobre la verdad y la mentira en el marco de las relaciones amorosas pero que se pueden extrapolar a cualquier ámbito, ya que en las relaciones sociales siempre está presente una porción de mentira en mayor o menor medida, y no digamos en las laborales, en las de vecindad,....
Un texto brillante que hace reír pero devuelve un espejo en el que todos nos miramos en algunos momentos, un texto ácido, mordaz y, sobre todo, muy ingenioso.
A Flotats le acompaña la siempre eficiente María Adánez, el eficaz secundario Aitor Mazo, y la principianta en esto del teatro, aunque no es su primera incursión, Kira Miró, que sale en toda la obra vestida.
Una platea llena aplaudió esta original y fresca propuesta en la que Josep Mª Flotats, como siempre, demuestra ser un actor excepcional de teatro, muy bien acompañado por sus compañeros, aunque Kira Miró aún tiene que aprender a proyectar su voz para que se le oiga a la perfección en todo el patio de butacas, sobre todo en el Teatro Alcázar que tiene bastante fondo, y su anterior trabajo teatral fue en La Fuga, que se representó sobre sus tablas.
Una obra muy recomendable para reírnos de nosotros mismos, porque ¿qué es el teatro sino un espejo de la vida? El teatro habla de nosotros mismos. La Verdad es un ejemplo de ello.

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LA CELESTINA

La Tragicomedia de Calixto y Melibea, o La Celestina triunfa actualmente en las tablas del Teatro Fernán Gómez, antes el Centro Cultural de la Villa en la plaza de Colón, nada más y nada menos que de la mano de una primera actriz que hacía años no veíamos en los escenarios: Gemma Cuervo es LA CELESTINA.

Han sido muchas las actrices que han puesto en pie este personaje tan codiciado por ser un bombón para cualquier actriz y no cualquier actriz puede interpretar un personaje tan complejo y tan conocido porque todos, o casi todos, hemos leído la magnífica obra de Fernando de Rojas alguna vez. Todos hemos imaginado como sería esa Celestina, y todas las actrices que la han interpretado lo han hecho de manera muy diferente: Amparo Rivelles, Nati Mistral, Nuria Espert, Terele Pávez,..., cada una de ellas ha hecho una Celestina muy personal
También es el caso de que interpreta Gemma Cuervo, una Celestina más humana y algo más "glamurosa" que la que estamos acostumbrados a ver. Este personaje de hechicera, "puta vieja", alcahueta, miserable y codiciosa lo hace muy suyo y lo borda de una manera muy personal. Esta Celestina es una adaptación más coral y esto hace que todos los personajes cobren más importancia que en la original, quizás me atrevería a decir que la pareja de enamorados Calixto y Melibea son los personajes más secundarios cobrando más protagonismo los criados Sempronio y Pármeno interpretados respectivamente por los actores Juan Calot y Santiago Nogués, especialmente este último perfecto en dicción y rico en matices.
La escenografía funcional y, a mi gusto, demasiado minimalista pero cumple su función. Un buen montaje, que se deja ver, pasan rápido las dos horas de duración con una actriz felizmente recuperada para el teatro como es Gemma Cuervo.
Lo único que, como pasa siempre, cuando van colegios a la representación, tendrían que tener descuento las entradas de los demás, que tienen que aguantar murmullos y risas a destiempo.

SHIRLEY VALENTINE

En el Teatro Maravillas, Verónica Forqué se enfrenta sola a este texto, viejo conocido por sus múltiples representaciones en distintas partes del mundo: SHIRLEY VALENTINE.

Shirley Valentine es una ama de casa que reside en un barrio obrero de Liverpool, como tantas otras que existen en todas las partes del mundo, lo que peyorativamente solemos llamar "maruja". Esclava y presa de una existencia monótona, aburrida e inmersa en la soledad más absoluta. Una soledad en el más amplio sentido de la palabra, la no elegida, la compartida con alguien que te ignora, que te ningunea..., la peor soledad. Su más fiel compañera es la pared de la cocina con quien habla y se desahoga, es su confidente, su más fiel amiga, ya que tiene la completa seguridad de que nunca se va a ir de la lengua, y la cómplice de sus pensamientos, sus sueños, sus anhelos, sus frustraciones, sus desengaños,..., de su vida.
Shirley piensa que se le está escapando su vida, ya que su felicidad la da por perdida. Casada con un cafre metódico que apenas le habla si no es para reclamar la cena a la hora de siempre, se siente como la asistenta gratuita pero peor tratada, solo existe para hacer las faenas propias del hogar que, dada la invisibilidad, nunca se agradece ni se paga. Tiene 2 hijos independizados, una comparte piso y el otro es un okupa. Se puede decir que es una fracasada como esposa, como madre, pero sobre todo, como mujer. Pero esto último cambia cuando conoce a una nueva amiga recién divorciada, esto le hará replantearse su vida y darla un giro inesperado, en definitiva, comenzar a vivir.
Es curioso que siendo un monólogo, parece que todos los personajes que entran y salen de la vida de Shirley, están en el escenario con ella. Esto se debe a lo ingenioso del texto de Willie Rusell, en tono de comedia dramática que tantas carcajadas provocaron en el respetable, así como la ternura y emoción que desprende en algunos momentos, y también, como no, a la interpretación de Verónica Forqué, que aguanta ella sola las dos horas que dura la función llenando de vida y matices a este personaje, y exhibe el dominio tan grande que tiene del escenario.
Merece la pena escuchar este texto y deleitarse con la interpretación de este pedazo de actriz que es La Forqué.
A pesar de la subida del IVA que ha castigado tan duramente a la cultura, el teatro estaba lleno. No hay que asustarse por esta subida porque los empresarios teatrales no han subido mucho los precios de las localidades y además hay día del Espectador, Atrápalo,..
Aunque les duela a algunos, la gente sigue llenando los teatros. No habrá impuesto ni políticos que ponga freno a la cultura.

CARLOS LARRAÑAGA (1937-2012)

Este verano está siendo especialmente aciago con nuestros actores. Hoy despedimos a Carlos Larrañaga.

Aunque por la mayoría será recordado por su personaje en la mítica Farmacia de guardia, lo cierto es que tiene un currículum cinematográfico, televisivo y teatral envidiable. Su dominio de las tablas y su dicción perfecta los dejó en títulos como Los Gozos y las sombras, La Gata sobre el tejado de zinc, Pesadilla para un rico, D. Juan Tenorio, La tercera palabra, y tantos otros en los que demostró que llevaba en la sangre la interpretación. Como sería el amor que tenía a su profesión que enseguida se lo contagió a sus hijos que tanto aman también su profesión ya sea como intérpretes o productores.
Los actores como él que tanto han mamado del teatro y han dado tanto a su oficio son irreemplazables, es muy difícil que salgan otros que se parezcan, ya que hoy día prefieren los focos y las alfombras rojas a las lecturas de Shakespeare o de Calderón de la Barca. Hijo de actores y hermano de la magistral Amparo Rivelles, no pudo estrenar la obra que tenía previsto realizar junto a su ex mujer Mª Luisa Merlo, que tanto nos hizo disfrutar con la obra 100 metros cuadrados. Una familia dedicada en cuerpo y alma a la interpretación, que hoy ha perdido su patriarca, a su ejemplo de vida y de dignidad en su trabajo.
El mismo día que perdemos al músico Bernardo Bonezzi y tan solo unos días después de despedir a Juan Luis Galiardo, Sancho Gracia y Aurora Bautista, tenemos que decir adiós a otro de los grandes. DEP.

CULTURA: IVA 21%

Hoy este blog hace una excepción y dedica una entrada a protestar enérgicamente por la abusiva subida del tipo impositivo del IVA: un vergonzante 21%, el más alto de Europa.

Una vez más, aunque ya no nos tendría que sorprender, se pone de manifiesto el absoluto desprecio que este gobierno tiene hacia la cultura. A este gobierno, ni a ninguno de su corriente ideológica, no le interesa un pueblo culto, un pueblo que reflexione, un pueblo que piense, un pueblo, en definitiva, LIBRE. La historia demuestra que les va mucho mejor, y duran más en el poder, con un pueblo de borregos, con un pueblo ciego, con un pueblo dormido, con un pueblo inerte. ¿Para qué agitar conciencias? Es mejor que un pueblo viva en la ignorancia, y solo sean capaces de mirar de frente y hacia abajo, si es posible. No vayan a enterarse de sus cosas, de sus tretas para conseguir sus propósitos aunque sean de dudosa legalidad o, en su caso, moralidad. Ellos, que se han convertido en los guardianes de la moral única, que te obligan a sufrir con un hijo con malformaciones congénitas, aunque por otro lado te quiten o te reduzcan las ayudas para salir adelante; ellos que, con su catadura moral intachable, colocan al genio del hijo menor de Esperanza Aguirre como asesor del Ministerio de Economía; ellos, que tienen tanta suerte con el gordo de la lotería que les toca a la misma persona nueve veces, encargan con el dinero de todos la construcción de aeropuertos, que solo han visto al avión que forma parte de la faraónica escultura que lo preside; ellos, que se desviven en tapar los agujerillos de ciertos bancos en los que trabajan gran parte de sus compañeros;....................
Es mejor convertir a la cultura en un artículo de lujo, en algo a lo que no pueda acceder todo el pueblo, pero claro, ¿cuando les ha importado a éstos la cultura y los servicios públicos? Siempre han apostado por privatizarlos, que el obrero por cotizar toda su vida tenga atención sanitaria de calidad gratis....., que pueda ir a la ópera o a la zarzuela....., que los jóvenes puedan asistir a un concierto, en el que a lo mejor lanzan mensajes que ellos no controlan..... Hasta ahí podríamos llegar.
La verdad es que hay pocas fotos de un miembro del PP en un acto cultural, o apoyando alguna iniciativa cultural novedosa, son más de ir al fútbol o a los toros. También es cierto que los iconos culturales del PP son del tipo Lina Morgan, José Luis Moreno, Norma Duval, Leticia Sabater, Mario Vaquerizo,... la mayoría de los demás murieron hace años.
En lugar de diseñar políticas de crecimiento económico han optado por el camino fácil, el de axfisiar a los más necesitados, empobrecer más aún a los más desfavorecidos, para recaudar y salvar el culo a la banca.
Yo duermo tranquilo, no se lo que me pasará mañana, PERO NO LOS VOTÉ.
#PORLACULTURA.

TOMÁS GAYO (1960-2012)

Otro duro golpe para la gente del teatro. Inesperadamente, nos ha dejado tan pronto una figura indispensable para entender el teatro actual: TOMÁS GAYO

Respiraba teatro por todos los poros de su piel. Actor, director, productor y autor de numerosos montajes. Sus últimos 24 años de vida los consagró a su pasión, al teatro.
Lo descubrí hace varios años en la obra de Rafael Mendizábal "Feliz Cumpleaños, señor ministro" que obtuvo un notable éxito en su paso por los escenarios, desde entonces no ha parado de hacer teatro en sus múltiples facetas, ya que también produjo diferentes montajes a través de su propia compañía.
El destino ha querido que la última obra que presencié, "Sexageración", fue, en parte, dirigida por él, ya que consta de 4 historias, 2 de las cuales bajo su dirección.
Actualmente se encontraba de gira con la adaptación de la obra "La familia de Pascual Duarte" de Camilo José Cela, dirigida por Gerardo Malla.
Cuando aún no nos habíamos repuesto de la pérdida de Juan Luis Galiardo, tenemos que despedir a 2 figuras importantes del teatro en el siglo XX. Me acabo de enterar que también nos ha dejado Paco Morán, un actor muy importante de teatro, sobre todo en el circuito catalán.
Este país no está muy sobrado de talentos, algunos no encuentran su sitio y otros nos abandonan para siempre. Descanse en paz

VIEJOS TIEMPOS

En la Sala Pequeña del Teatro Español está en cartel una obra del irregular Harold Pinter: Viejos Tiempos

Aunque fue Premio Nobel de Literatura en 2005, Pinter tiene en su haber tanto obras maestras como, a mi parecer, algún que otro bodrio. Viejos Tiempos se encuentra a mitad de camino entre una categoría y otra. Tiene mucho planteamiento, apenas tiene nudo y muy poquito desenlace. Habla de los recuerdos y cuestiona la realidad de todo lo que recordamos, si las cosas que ocurrieron fueron tal y como las recordamos o de otra forma, como quisiéramos que hubieran sido.
Toda la obra consta del diálogo sobre el pasado de los 3 personajes: un matrimonio y una antigua amiga de ella.
Lo mejor de la obra, para mi, es la delicia de ver juntos sobre el escenario a los 3 magníficos actores que forman el reparto.

No es fácil de juntar en un mismo cartel a Emma Suárez, Ariadna Gil y a José Luis García Pérez. Imagino que el móvil de la gente que llena la sala cada día es el nombre de sus 3 protagonistas, más que el título casi desconocido de Pinter.
Ariadna Gil y Emma Suárez merecen un título y unos personajes más ricos y de mayor enjundia para poder disfrutar de un duelo de actrices. Otra vez será.

JUAN LUIS GALIARDO (1940-2012)

Se bajó el telón para un actor enorme: Juan Luis Galiardo.

Cuando alguien que ha dedicado su vida a la escena nos deja, todos los amantes de la cultura morimos un poco. Entre tanta prima de riesgo, bonos basura, agencias de calificación, rescates,... , noticias como estas no quisiéramos escuchar nunca, son mazazos que nos deja desolados, puro reflejo del contraste radical entre la prosa y la poesía, lo prágmatico y lo onírico, la tragedia del capital y la belleza de los sueños.
Este fin de semana, Juan Luis Galiardo se ha ido sin avisar, ha hecho mutis por el foro cuando menos lo esperábamos.
El galán de las películas de la posguerra que se hizo mayor y nos descubrió lo grande que era interpretando al inolvidable Chepa de "Turno de oficio", ese abogado vividor y bebedor que enseñó, no solo el oficio, sino los vericuetos de la vida al joven Cosme, ex opositor a notario por seguir la tradición familiar y que vivía bajo las faldas de su madre, la gran Irene Gutiérrez Caba.
Interpretó papeles que permanecerán en la memoria de todos en películas como "El vuelo de la Paloma" de José Luis García Sánchez o en "Familia", la ópera prima de Fernando León de Aranoa, y es que apoyaba a los directores noveles con su presencia en el casting y su buen hacer en la gran pantalla, como lo demostró en el difícil papel de guardia civil homosexual en "Clandestinos"
Sobre las tablas, siempre nos quedará sus maravillosas interpretaciones en obras como "Las Últimas lunas", que Marcello Mastroiani escogió para despedirse de la profesión y de la vida; "Humo" del gran autor joven Juan Carlos Rubio con una espléndida Kiti Manver; o "Edipo Rey", que tuve la suerte de ver en el anfiteatro romano de Mérida.
Cultivó igual de bien el cine, el teatro y la televisión, hizo lo que quiso y escogió los trabajos con la coherencia de lo que fue, un hombre absolutamente libre. Vivió como quiso, pero desgraciadamente la muerte también hace vulnerables a los libres. Siempre nos quedará su extensa obra.
Un golpe duro para la gente del teatro que también asiste hoy a la despedida de otro hombre de teatro, el director Gustavo Pérez Puig. Descansen en paz.

DE RATONES Y HOMBRES

En el Teatro Español triunfa la magnífica obra teatral de John Steinbeck, De Ratones y Hombres.

Nos puso los pelos de punta la historia y su forma de contarla. Narra la historia de un grupo de trabajadores, casi esclavos, en la Norteamérica de la Gran Depresión de los años 30.
Un grandullón retrasado mental acompañado por su protector van a parar a la cabaña de un déspota patrón donde los trabajadores son mulas de carga durante 12 horas. Lo único que tiene cada uno son sueños e ilusiones que cumplir cuando reúnan un dinero que sea suficiente. Sueños modestos e ilusiones pequeñas con los que conseguirían algo de felicidad. Resulta descorazonador ver como nunca conseguirían esas humildes metas y como estarían condenados siempre a la pobreza y a la esclavitud que supone el duro trabajo de sol a sol por 4 perras.

Roberto Álamo compone un retrasado tierno, un niño gigante con mucha fuerza, imprescindible para el rutinario trabajo. Fernando Cayo, su protector y compañero hace una interpretación perfecta tanto cuando se pone duro como cuando se pone frágil y quebradizo. Antonio Canal, el cura de Cuéntame, fantástico en su papel de compañero viejo, lisiado y buena persona que sueña con salir de ahí y tener una casa aunque sea para trabajar en ella y en su huerto. Irene Escolar, cada día mejor actriz a pesar de lo joven que es, de hecho encadena trabajos importantes como fue la obra Agosto, de la que hablo en este blog, para afrontar en De Ratones y Hombres el papel de la mujer del hijo del patrón, la única mujer en ese mundo de hombres, que solo busca alguien con quien hablar, aunque los trabajadores no quieran hablar con ella por miedo al cafre de su marido, una mujer que se siente sola las 24 horas del día, busca compañía aunque la tomen por furcia, solo busca charlar y ser escuchada por alguien. Gran escena la de ella con el retrasado de Lennie.

La escenografía preciosa con tintes cinematográficos, la dirección de Miguel del Arco, como siempre, magnífica.

La última y sorprendente escena te hiela el corazón y te deja clavado en la silla sin reaccionar, casi cuesta aplaudir al principio por lo impactante que resulta. Maravillosa.

IVAN OFF (EN LA CASA DE LA PORTERA)

Hace unos días tuve ocasión de disfrutar de una gran obra en un originalísimo espacio: Iván Off, en La Casa de la Portera.

La Casa de la Portera es éso, la antigua casa de la portera de la calle Abades 24 en La Latina. Las cuatro escenas que componen la obra se desarrollan en 2 habitaciones distintas de la casa, son como dos escenarios distintos, casa que acoge a 22 espectadores que son los que caben en este recién inaugurado espacio teatral.
La Obra es la versión de Ivanov de Chejov, está adaptada a la era contemporánea y cuenta con un magnífico plantel de actores, que al tenerlos tan cerca, ya que las habitaciones tienen las dimensiones normales de cualquier casa, los sientes y  observas las interpretaciones como si fuera un pase privado. Aplaudo iniciativas como estas, ya que el teatro está viviendo un auge importante en estos tiempos de crisis y cuantos más espacios haya más se diversifica la oferta.
Raúl Tejón, Roberto Correcher, Rocío Calvo y el resto de actores demuestran su talento y saber hacer en un texto difícil y en un espacio que dificulta también su labor al ser pequeño y con el público tan cerca.

El texto es duro, se habla de muchas cosas: de amor, de egoismo, de soledad, de la familia, de la ambición.....
Dos horas muy recomendables que animo a todo el mundo a que vaya para disfrutar de este novedoso espacio, de esta genial obra y gran reparto.

MICROTEATRO POR DINERO

Siempre es una gozada acudir a este innovador y exitoso espacio teatral: Microteatro por dinero.

Gracias a la iniciativa de recuperar la zona de la calle Ballesta y aledañas para todo el público, ya que la marginalidad se apoderó de ella tradicionalmente, la zona llamada ahora Tribal se ha convertido en un barrio transitable a cualquier hora, con modernas tiendas, bares y restaurantes que ofrecen gran variedad y que la gente joven llena cada fín de semana, y este novedoso y original espacio teatral que cada día gana más adeptos.
Microteatro por dinero se alza sobre los cimientos de un antiguo prostíbulo. En él encontramos una barra en la que se puede tomar algo, unas mesas para sentarse y picar, y al fondo la venta de entradas. En la planta de abajo hay 5 habitaciones en las cuales se representa una obra de teatro de unos 15 minutos. Por 4 euros se puede ver una historia en cada una de las minisalas, en cada sala caben unas 10 personas. En ellas, actores y actrices profesionales, algunos de los cuales son consagrados, representan una obra como si fuera en un teatro convencional, con la diferencia que los tienes a escasos centímetros. Nunca me han defraudado, todas las veces que hemos ido hemos salido impresionados con lo que hemos visto. Buenos textos, magníficas interpretaciones, tono de comedia, de drama. Todo cabe en sus pequeñas salas, incluida escenografía.

Cada vez va más gente, antes de cenar o después, ya que hay dos programaciones, la de tarde-noche y la sesión golfa, hay un pase cada 20 minutos aproximadamente en cada sala y todas las obras tienen una temática común que se renueva cada mes.
Los lunes y martes se puede disfrutar de una obra larga en formato convencional. Hay y ha habido textos de Nancho Novo, Ramón Salazar, Juan Luis Iborra,... No hay escenario pero el teatro lo sientes más cerca y más vivo que nunca. Me alegro del éxito que tiene porque, si bien tuve mis dudas al principio sobre la aceptación que iba a tener este formato, ahora veo que el público lo apoya totalmente con su presencia y con sus aplausos. Le auguro una larga vida. Es divertido, emocionante y necesario. Se lo recomiendo a todo el mundo, todo el que me ha hecho caso me ha llamado después para decirme que le ha entusiasmado. Es teatro en su estado puro en un espacio diferente, sin formalismos, sin acomodadores. sin timbres que te avisan que empieza la función, ya que cuando los 10 espectadores entran a la sala a la vez, empieza la obra directamente. Enhorabuena a los promotores de esta fantástica idea. Hay que ir, seguro que repetís.

EL MANUAL DE LA BUENA ESPOSA

Cada día triunfa en uno de los teatros más bonitos de Madrid, el Teatro Lara, la divertidísima comedia El manual de la buena esposa

Bajo la mirada de 6 autores, entre los que se encuentran Miguel del Arco, Juan Carlos Rubio y Yolanda Gª Serrano, vemos durante hora y media como hemos cambiado, afortunadamente. O, mejor dicho, como ha cambiado la mentalidad de la mujer desde la posguerra hasta nuestros días. Con textos de los 6 autores, las actrices nos representan diversas situaciones en las que se pone en solfa la educación que ha recibido la mujer en los tiempos en que se las formaba tan solo para ser esposas perfectas. La Sección Femenina se encargaba de amaestrar a la mujer para complacer a sus maridos, para que aguanten lo que sea por el bien de la familia, para hacerlas abnegadas, sumisas, obedientes, sufridas, resignadas, en definitiva, buenas esposas.

Con el humor, como hilo conductor, las actrices se muestran como niñas, como adolescentes, como maduras, como miembros de Coros y Danzas, como enfermeras, como monitoras de campamento de la Sección Femenina, como esposas, como solteronas,... en sketchs sin conexión unos con otros pero con el denominador común de mirar la hipocresía de la época, así como la represión y la ridiculez de unos principios y preceptos inimaginables hoy día, salvo algún reducto rural en vías de extinción que se pueda dar en la actualidad.

Sobre el escenario 3 grandes interpretaciones a cargo de 3 magníficas actrices: Mariola Fuentes, Llum Barrera y Natalia Hernández. Varios personajes distintos encarnan cada una, perdí la cuenta, y todos dotados con muchísima verdad aderezada con gran comicidad: niñas jugando a los juegos de la época, enfermera retrógada, una fan de Franco que hasta lo veía guapo y gracioso, consultorio sentimental radiofónico dando aberrantes consejos a las oyentes,.....

El público que llenó el teatro era de todas las edades y respondió por igual, tanto los hombres como las mujeres reían a mandíbula batiente. Se pasa un rato muy agradable con los textos llenos de humor inteligente que hace que se entienda aunque no se haya vivido en la época, con un poco que se haya leído al respecto.
La doble moral, la hipocresía, la intachable moral de la época protagonizan estos satíricos textos que cada día ponen en pie Mariola Fuentes, Llum Barrera y Natalia Hernández. Muy recomendable.

EL MONTAPLATOS

En la sala pequeña de las Naves del Español, en el Matadero se representa el drama de Harold Pinter, El Montaplatos.

En una especie de hotel dos sicarios esperan el encargo del próximo asesinato para el que van a ser contratados. Hasta que ello ocurre solo presenciamos un diálogo vacío, simple, un cúmulo de despropósitos que consiguen que la hora y media se haga eterna. Estoy acostumbrado a ver teatro desde niño, y me gusta el teatro que te hace reflexionar y pensar, en El Montaplatos lo pretendían pero te lo ponen muy difícil. Es prácticamente imposible entrar en esta obra, y no por la temática, sino por su desarrollo nada ágil.
Alberto San Juan y Willie Toledo hacen lo que pueden, sus interpretaciones son buenas pero no suficientes para salvar este olvidable montaje.
Animalario ha hecho grandes cosas en el panorama teatral que las he aplaudido por su compromiso y por su acabado. La Boda de Alejandro y Ana, Hamelin, Urtain, Últimas palabras de Copito de Nieve, Marat-Sade,... , piezas que salías del teatro con ganas de debatir y reflexionar, hablaban de grandes temas que nos interesan a todos con el estilo de Animalario, mezcla de surrealismo, humor y drama. En El Montaplatos no se habla de nada, se está esperando a que ocurra algo, a que suelten una gran frase, y ese momento nunca llegó.
Siempre es un placer ir a El Matadero, aunque en esta ocasión hayamos tropezado con una gran piedra, o mejor,...un gran ladrillo.

FOLLIES

Que una obra de teatro esté dirigida por Mario Gas, protagonizada por Carlos Hipólito y Vicky Peña y sea representada en el Teatro Español ofrece garantías de calidad y éxito, y no nos equivocamos. El martes 21 tuvimos ocasión de alucinar con lo que estábamos viendo y escuchando. Maravillosa, genial y sorprendente: FOLLIES.

Más de 30 actores en escena y una orquesta en directo recrean una fiesta en un antiguo teatro un día antes de demolerlo para convertirlo en un aparcamiento. Su director reúne a las que fueron estrellas de ese teatro, que ven como ha pasado el tiempo, lo que fueron, lo que son y lo que podrían haber sido si hubieran tomado otra dirección. Una emocionante historia en la que los recuerdos se funden con la actualidad, amores que se vivieron entre bambalinas en la época dorada del teatro Follies y que aún perduran de otro modo, infelicidades que se fraguaron sobre sus tablas y que no han mejorado con el paso de los años. Los números musicales se suceden con las palabras que se escupen a bocajarro, los personajes miran hacia atrás sin ira pero con nostalgia de lo que pudo ser y no fue.

Los protagonistas, Carlos Hipólito, Vicky Peña, Muntsa Rius y Pep Molina no pueden estar mejor, dicen el texto como los grandes actores que son, y cantan y se mueven en el escenario como lo magníficos artistas que son. Todos habían cantado alguna vez en los escenarios aunque los críticos se empeñen en decir que Carlos Hipólito lo hacía por primera vez, y nada más lejos de la realidad pues ya lo hizo en Un Hombre llamado Caballo.
Las colaboraciones especiales de Asunción Balaguer y Massiel son maravillosas y más sorprensentes si cabe, pues con los casi 90 años de la primera, es alucinante verla bailar y cantar y aprenderse un papel extenso a su avanzada edad, aunque hace poco pudimos disfrutarla en El pisito, del tándem Berlanga-Azcona. Massiel está enorme en un oficio que nunca debió haber abandonado, ya que aunque se la de bien polemizar en las mesas de debate de los programas, como actriz y cantante demuestra su valía y talento en la canción que interpreta ella sola I'm still here, saca su garra y temperamento en una canción que habla de los tiempos gloriosos que vivió el personaje y también de los tiempos que malvivió arrastrándose por los garitos de suburbios y burdeles, arrancó grandes ovaciones y aplausos.

Una obra magníficamente dirigida, original cuando se juntan en el escenario los mismos personajes en su versión joven y adulta. Su director, el gran Mario Gas, esperemos que el PP no lo quite de la dirección del Teatro por la magnífica labor realizada, hace un cameo en la obra e interpreta al director del teatro que reúne a sus estrellas. Fueron 3 horas disfrutando en un teatro abarrotado que despidió en pie a sus actores y bailarines durante 15 minutos con una ovación cerrada. Es una pena que, por tratarse de un Teatro Municipal solo permanezca un mes en cartel porque conozco a gente que tiene problemas para conseguir entradas, merecería hacer temporada en algún teatro del circuito privado. Soberbia.

THE HOLE

El Teatro Haagen Dazs Calderón se ha transformado durante unos meses en un auténtico cabaret donde la noche más canalla e irreverente se funde con el arte, es un agujero al que nos asomamos y nos metemos de lleno. Es THE HOLE.

Tuve la suerte de asistir con mis amigos a la función del viernes. El Teatro Haagen Dazs Calderón se transforma en un cabaret y en lugar de patio de butacas hay mesitas redondas y sillas donde se puede picar algo y beber unas copas servidas por camareros y camareras vestidos de boxeadores. El viernes el maestro de ceremonias fue Alex O'Doguerti ya que para este personaje se turnan Paco León, Silvia Abril, Alex O'Doguerti, Eduardo Casanova, Fernando Gil y La Terremoto de Alcorcón, me imagino que cambiando el texto porque cada uno tiene su sexo y su personalidad. El espectáculo, producido por Yllana y Paco León, es brillante, mezcla de humor, erotismo y números visuales. El humor es buenísimo, los  monólogos del maestro de ceremonias son hinchantes, un público joven en su mayoría y entregado al espectáculo, ya que el público forma parte activa de él. La compañera del maestro de ceremonias es una rata real y se convierte en una protagonista más del espectáculo. Curiosa cuando menos es la intervención de la pin-up, disc jockey y artista multidisciplinar Vinila Von Bismarck, destaca su original figura con cuerpo tatúado, su voz cantando y su talento interpretativo llenando el cabaretero escenario.

Los números visuales consisten en acrobacias aéreas impresionantes, que más de una vez el público cierra los ojos por miedo a un accidente, patinadores que arriesgan su integridad física, grupos de saltimbanques que a nadie dejan indiferente,..Los números cambian, por lo que el espectáculo no es el mismo siempre. Dos horas que dejan a todo el mundo con un buenísimo sabor de boca. Te quedas con ganas de más. En el intermedio, los miembros de la compañía se mezclan con el público para hacerse fotos.

Espectáculo extraordinario parecido al burlesque parisino, canalla, irreverente, golfo,....altamente recomendable si quereis pasar un buen rato y divertiros. Os recomiendo que os adentreis en el agujero, en THE HOLE.

GROOMING

En el Teatro de La Abadía se representa durante este mes Grooming.

 Antonio de la Torre y Nausicaa Bonnin, bajo la batuta de José Luis Gómez, ponen en pie este texto de Paco Bezerra. Una obra que trata del ciberacoso sexual a menores, pero que poco a poco va tornando y nada es lo que parece. Si en la primera mitad de la obra está claro quien es la víctima y quien es el verdugo, en la segunda mitad no lo vemos tan claro.
Un hombre de mediana edad, mediante engaños, queda con una menor en un parque. El es un pedófilo confeso que graba a menores en los vídeochat e incluso a su hija en la intimidad de su bañera, pero será el cazador cazado o el objeto de la menor en la cita. Desviaciones sexuales de varios tipos se exponen en este texto crudo verbalizado por 2 seres solitarios, enfermos, miembros de familias desestructuradas, sobre todo la niña.

Un texto que invita a la reflexión. Quien juzga lo que es normal y no lo es. Quien es la víctima y quién es el verdugo. Los 2 tienen 2 acusadas parafilias. Los 2 dan pena y producen lástima a un espectador que con cierto estupor observa los comportamientos de ambos.
Cabe destacar la magnífica interpretación de los 2 únicos actores de esta pieza que consiguen que nos metamos de lleno en esta historia en la que la sordidez es otra protagonista más.
Te puedes poner en el lugar del acosador o de la niña, pero lo que siempre hay que tener en cuenta y nunca olvidarnos es de lo primordial que es hoy dia Internet como una herramienta básica de información y comunicación, pero también lo peligroso que puede llegar a ser si se usa para hacer daño. Tuenti, Facebook, MSN,.. nuestros hijos, sobrinos,..tienen ante sí una infinidad de posibilidades para acechar el peligro y con una indefensión total. Yo no pienso que Internet sea malo, por supuesto, pero sí creo que su mal uso puede hundir a cualquiera, sobre todo a los más indefensos y vulnerables, los menores.

LUCES DE BOHEMIA

Vuelve a los escenarios un clásico, una obra maestra de uno de los máximos exponentes de la generación del 98: LUCES DE BOHEMIA de D. Ramón Mª del Valle Inclán.

La historia, por todos conocida, trata del recorrido nocturno de Max Estrella, escritor ciego arruinado, junto a su amigo y admirador D. Latino de Hispalis. En ese recorrido, en el que Valle resalta constantemente lo trágico que a veces resulta vivir desde su óptica grotesca, Max Estrella y Don Latino se cruzan con un montón de personajes que hacen que cobre vida lo que se hace llamar el esperpento. Zaratustra, D. Gay, la Taberna de Picalagartos, Enriqueta la Pisabien, los modernistas,... son personajes de este maravilloso texto que se ha vuelto a representar en el Teatro María Guerrero de Madrid.
Desgraciadamente tengo que decir que es peor este montaje que el que tuve ocasión de ver en el mismo teatro allá por los años 70. En este eran los grandes José Mª Rodero y Agustín González los encargados de encarnar a Max Estrella y a D. Latino respectivamente. Tanto la cuidada escenografía como las soberbias interpretaciones estaban muy por encima de las que hoy se pueden ver en el Teatro María Guerrero.

Gonzalo de Castro se hace muy pequeño ante tan magno papel. Mejor gestualmente, fatal en dicción. No emociona, no transmite y, así, el resto del reparto, salvo alguna excepción, como la de Miguel Rellán, Angel Burgos y Marina Salas. Isabel Ordaz, en su brevísimo papel de mujer de Max Estrella, no resulta nada creíble con su soniquete de voz que queda muy gracioso en su personaje televisivo de La Hierbas, pero no en sus dos dramáticas escenas de Luces de Bohemia. Al ser todo tan plano y las interpretaciones tan flojas, la obra se hace larga y un tanto pesada, sobre todo, como en mi caso y el de mucha más gente, que nos la sabemos de memoria.
Lo mejor, el diálogo en el entierro de Max entre Rubén Darío y el alter ego de Valle, el Marqués de Bradomín, personaje fijo de otras obras del genial escritor; y también magnífica la reflexión que hace Max en el calabozo donde pasa parte de la noche, que aunque fue escrita hace unos 80 años no ha perdido vigencia. Max reflexiona acerca de que en este mundo los ladrones y demás delincuentes son mejor tratados en la vida y tienen más ventajas que la gente honesta y de bien. Casualmente, cerca de un siglo después, un juez que investiga genocidios realizados por un régimen y la corrupción fraguada en los despachos públicos, es sentado en el banquillo de los acusados y le quieren meter en la cárcel algunos sectores, al mismo tiempo que un presidente de comunidad autónoma es absuelto después de aceptar y recibir cuantiosos regalos de un don nadie, un miembro de la familia real se irá de rositas habiendo saqueado dinero de las arcas públicas en nombre de una fundación sin ánimo de lucro, unos cooperantes necesarios de asesinato y ocultación de cadáver quedan en libertad mientras aún se desconoce el paradero del cuerpo,......
La España de hoy parece igual de ESPERPÉNTICA que la que plasmaba Valle en sus obras hace un siglo.

AGOSTO (CONDADO DE OSAGE)

Sublime, magistral, extraordinaria, son 3 de los adjetivos que se podrían aplicar a esta obra y a la interpretación de los integrantes del magnífico elenco que cada día la representan en el Teatro Valle Inclán de Madrid: Agosto (Condado de Osage)

Esta obra ha supuesto una alegría y una tristeza para los amantes del teatro: la primera se refiere al retorno a los escenarios de la gran Amparo Baró tras 12 años ininterrumpidos de televisión en Siete vidas y en El internado; la tristeza es porque supone la despedida de Gerardo Vera como director del Centro Dramático Nacional, ha sido el responsable de impresionantes montajes de los que hemos sido testigos en sus sedes del Teatro María Guerrero y del Teatro Valle Inclán.
Amparo Baró, magnífica actriz descubierta por las nuevas generaciones gracias a la tele, ha sido cabeza de cartel en numerosos montajes a lo largo de su dilatada vida artística. Con soberbias interpretaciones, me vienen a la mente sus creaciones en La opinión de Amy y Materia reservada, ha demostrado su versatilidad sobre las tablas en comedias de muy distinto registro a las mencionadas como es el caso de Los habitantes de la casa deshabitada del gran Jardiel Poncela. Pero donde más demuestra su talento como la diva de los escenarios que es , ha sido en los dramas, ya que ha representado a los más grandes autores y se ha metido en la piel de los más complejos personajes.
En Agosto, la Baró riza el rizo con su interpretación de Violet, una madre autoritaria, adicta a las pastillas y enferma de cáncer con unos dolores insoportables. Casi 4 horas en una obra con un texto duro, difícil y agotador ya que requiere un gran esfuerzo tanto físico como emocional, recompensado por las ovaciones de todo un teatro puesto en pie para agradecer y felicitar al reparto por un trabajo realizado de una forma impecable, sin fisuras, sin peros, simplemente perfecto.
La obra narra la historia de una familia de Oklahoma, una familia rota, descompuesta por una madre axfisiante por una autoridad heredada desde su infancia y un padre aficionado a la bebida, y 3 hijas que vuelven al hogar paterno con motivo de la misteriosa desaparición del padre. Aunque en la obra aparecen hombres, Agosto es una historia de mujeres fundamentalmente. Son 6 historias de amor, de desamor, de resentimiento, de odio, de verdades dañinas y de mentiras despiadadas con un nexo común: los lazos familiares.
Es un drama familiar del estilo a los creados por Arthur Miller o Tenesee Williams. Un texto potente, magníficas interpretaciones (no me canso de repetirlo) y una escenografía maravillosa.
Si Amparo Baró demuestra en esta obra lo qué es una actriz, soberbia y maravillosa está también la cada vez mejor actriz Carmen Machi. La actriz, que descubrimos en Siete Vidas y en Aída, tuvo la valentía y la coherencia de abandonar la serie que protagonizaba para enfrentarse a otros retos profesionales. Desde entonces no ha parado de hacer teatro y nos ha sorprendido en cada trabajo, ya que sabíamos que su vis cómica es innegable, pero ha demostrado con creces que es una magnífica actriz dramática. El duelo interpretativo de las 2 actrices es encomiable, y se nos olvidó durante las casi 4 horas de la representación que las 2 divas que nos ponían la carne de gallina desde el escenario, eran la Sole y la Aída de Siete vidas.
A la Baró y a la Machi les acompañan 11 actores entre los que cabe destacar a Alicia Borrachero, Clara Sanchís, Sonsoles Benedicto, la joven y prometedora actriz Inés Escolar (nieta de la gran Irene Gutiérrez Caba), Gabriel Garbisu y Miguel Palenzuela en el brevísimo papel de marido de Violet desaparecido tras la primera escena de la obra.
En fín, una gran y emocionante noche de teatro. Si podeis, no os la perdais.